Natural Frequencies of Music 大村亘

Polyglot Before Words Interview

First of all, how does it feel to play with tabla and Molinhall? (mongolian horse

fiddle) which is an odd ensemble combination.

@落合康介

馬頭琴を学び始めてジャズに対する視点って変わった？

落合

ジャズの演奏に対する意識は特に変わらないのですが、弦楽器のルーツとも言われる音色に触れることでコントラバスの音そのものの面白さが拡張されて、演奏することがさらに楽しくなったなと思います。

I do not feel a difference in approaching jazz consciously. Having said that, being influenced by one of the root instruments of the string instruments(Molinhall), I have been revealed to more interesting aspects of the double bass, hence I enjoy playing it more than ever.

大村

なるほど。

民族楽器って歴史が底知れない部分あるじゃない。対してジャズって比較的歴史が浅いけど、いろんな歴史がある音楽の複合体、いわばハイブリッドみたいなところあるでしょ？

それを踏まえて馬頭琴で伝えられてきた歌心とかリズム感表面的には違うとは思うけど奥深いところで共通点見えたりする？

Interesting.

I think traditional instruments from various cultures inherently possesses a long history over its development.

In juxtaposition, the genre jazz is relatively new and still being explored culturally yet is a hybrid of various cultural influences. Having that in mind, do you feel a connection with Molinhall’s specific lyricisms and jazz at a deeper level?

落合

たしかに表面的には遊牧民の音楽のルーツは季節の訪れを願ったり自然に返す音楽だったりしてジャズの人間讃歌のルーツとは違いがあるかなと思いますが、最近は共通点もあるなと感じることがありますね。

例えば馬頭琴でオルティンドー（モンゴルの長唄）の伴奏するときにユニゾンを避けることで人間がコントロールできないエネルギーを表現していたりするのですが（最近、日本の雅楽を聞いていても似た部分があるのかなと思ってます）、ジャズにも即興演奏の中で起こる思考を超えた直感的な部分に人間だけでは到底コントロールできない音楽のエネルギーが忍び込んでくる感覚が同じように起こっているなと感じています。

Molinhall is closely related with nomadic tribes hence their tradition is rooted in longing for a season or having a conversation with nature itself. In contrast, jazz repertoire seems to focus on the human condition of emotions so I sense a difference, at the same time there are similarities.

For example, during a performance of a long poem on Molinhall, unison is avoided in order to express human energies which are uncontrollable(in Japanese Gaga, there similarities also). In jazz, uncontrollable expressions are explored which goes beyond thought process, where I feel similarities at the core essence when I compare the two.

大村

馬頭琴はじめ多くの古い民族楽器って(自分の場合タブラを通して感じるけど)楽器そのものの環境によるコンディションの変化や個体差がより如実にある様にも感じるんだけどどう？

Many traditional instruments’ conditions seem to be sensitive to a specific environment.

What is your opinion?

落合

その土地で食べるとより美味しいみたいな感じでありますね笑

個体そのものの違いだと馬頭琴は楽器の大きさに対して音量が大きかったり倍音が多くなるように作られていたり、風と共鳴するように設計されているなと思います。

コンディションの変化だと日本に持ってくるとチューニングで苦労しますね。

モンゴルの南北でもチューニングの違いがあったりもするのですが、先日、入谷のなってるハウスで亘さんのタブラとのライブの時に普段のBbからAbまでしか上がらなくなってしまったんです。

気候の変化の影響なので仕方のないことなのですが、アンサンブルするのに今日のライブ申し訳ないことになりそうだなと思っていたら、亘さんのタブラのチューニングもいつもより低いAbになっていて助かったんですよね。皮もの楽器同士の民族楽器的シンパシーを勝手に感じてました笑

Yes. It’s similar to when you eat a meal home to that tradition in that geographical location,

It tastes even better.

Molinhall specifically is influenced by its size(individually speaking). Some has more volume and is richer in overtones.

Condition according to environment, when played in Japan, tuning is a challenge.

In Mongolia, tuning differs according to region(North/South).

For instance the gig with you the other day, myMolinhall tuning was not able to reach Bb(its original key) and it was only available to tune to Ab(a tone down). It gets influence by weather and I was worried what would happen to the gig but coincidentally, your tabla had the exact parallel phenomenon. I sometimes think, traditional skinned instruments share a sympathy which we can’t explain in words.

大村

ああいう事象も事前に相談して合わせる訳でもなく、勝手にシンクロすることがあるのは面白いよね（笑）ベースと馬頭琴行き来する時のモード切り替えみたいなのってある？　やる音楽にもよるだろうけど。

Haha, synchronicity or seredipity.

Do you have a need of a mode switch when you change over from Bass to Molinhall or vice versa?

Steve

It's been a real (and very rewarding!) challenge to reconceptualise what the piano can do, and what role I can or should play in the ensemble. As a pianist I am so drawn to harmony and harmonic complexity, and using harmonic frameworks as departure points for creative re-interpretation - but those frameworks somehow felt too alien in this setting with Ko and Kosuke...that the music was calling for a more distilled, more pure, more organic, more rhythmic and thematic approach. At the same time, as a jazz player harmony is always shifting, so we can often get in this pattern of always moving forward through the music, constantly creating new melodic material for new chord changes. I always feel with Ko and Kosuke that the setting asks me to be more clear, more concise, more grounded and focussed, more minimalist even in those creative decisions - so in a way the stakes are higher and there is a greater sense of purpose and intent the music seems to ask for.

とても有意義かつ挑戦しがいのあるアンサンブルでした。特にピアノが何が出来るか、アンサンブル内においてどいう役割を担えるかという新たな視点を見直す機会になりました。ピアニスト的な視点から私はハーモニーの構図や複雑さに惹かれる傾向にあり、それを創造的なアウトプットの出発点とすることが多いのですが、それれだけを頼りにするとこのアンサンブルに於いては違和感を感じました。なので、より蒸留された純度と有機性に重点を置いたリズムやテーマの拡張を意識するアプローチになりました。それと同時にジャズプレイヤー的ハーモニーとリズムの関係性から派生する新たなメロディックな素材も生まれる環境でもありました。亘と康介とアンサンブルするとより明確に、簡潔に、凝縮されつつ腰の座ったアプローチ、よりミニマリスト的なアプローチを求められうような気がします。特に創造性において。そういう意味ではより責任感が重いですし、同時に音楽が何を求めてるかに対する明瞭性を求められました。

大村

I want to zoom into the word minimalist.

If were to juxtapose this with the philosophy tabla, borrowing my guru's words,

"it is a process of seeking the infinite in the finite"

Do you resonate with that?

If so, what dimensions can this ensemble further stretch out to as music evolving in our current times?

『ミニマリスト』という言葉に焦点を当てたいのだけど、

自分がタブラを学習する中で遭遇した師匠の言葉を引用すると、

『タブラの表現の真髄は、有限的なものの中に無限を見出そうとする行程である。』

とアドバイスを受けたことがあるのだけど、どこか共鳴する部分はある？

Steve

I love that. We are in a saturated world - surrounded by distraction, misdirection, a relentless torrent of information and drama. I feel like that minimalism I'm talking about acts as a magnifying glass in our improvisations - it focusses and pulls you into confronting new musical challenges, sitting with an idea for long enough to allow all the subtleties and dyanmics and colours to emerge in a way that is very difficult in other settings...so yes, minimalism as a conduit for the infinite just as the breath is in meditation. It also tasks us to be constantly thinking and working collaboratively - both to hold course with your own contributions at the same time as you constantly modulate them in response to the ensemble. In repertoire-based jazz there are certain peaks and valleys that are pre-empted or expected just given the nature of the composition - in this ensemble it feels more like we are painting that terrain anew and more gradually or unexpectedly with each performance, brush stroke by brush stroke.

とても共鳴するよ。

私たちは飽和した世界に住んでいる。注意力散漫になる外的刺激や方向性を見失わせられる環境や絶え間ない情報の波に包囲されている。僕がここで引き合いに出したミニマリズムは、即興で音楽を展開する中で顕微鏡な役割をになってくれる。新しいアイデアに焦点を合わせ長い時間向き合うことによって、

詳細やダイナミクス、色彩感などが浮き彫りになってくる。これは状況によってはとても難しい行程なんだ。なのでミニマリズムが無限への導管になりうると思う。瞑想への導管の一つが呼吸であるように。このプロセスは我々を常に考えさせ共同体として働く状態にさせてくれる。個としての貢献する姿勢を保ちながら常にアンサンブルに反応出来る柔軟性も持たなければいけない。レパトリー重視のジャズでは何かしらの予定された道筋やピークが曲の特色によって予測出来るが、このアンサンブルでは予測不能な土地の景観を一つ一つのブラシのストロークで共に描写して行くような感覚なんだ。

落合

たしかにやる音楽によりますね。奏法の違いで感じる切り替えは練習の中で減っていきますが、例えば馬頭琴でビバップ弾いてと無茶振りされるとヒヒーンとなりますね笑

Surely depends on the music being played.

If I were to be asked to switch playing styles during practice, the discrepancies have decreased, yet if someone were to request me to play bebop phrases on the Molinhall I would cry out like a horse (laughs)

大村

Also, final thoughts on the meaning of the continuation of this project in this transient world, what can we contribute to the wellness of human consciousness?

最後に移り変わりの流れの世の中でこの音楽が人の意識に提示/できるものとは？

Steve Barry

I feel like this music is underpinned by curiosity, receptiveness, patience, and truely collaborative dialogue. In making it together I hope we can highlight that new, hybridised languages can always be born, and new meeting points sought amongst apparently different realities.

この音楽は好奇心、受容性、忍耐力そして共同作業から生まれる対話から成るものと感じている。

共に創造することによってハイブリッドな言語、そして異なる現実が交差する『待ち合わせ場所』みたいなものが産まれる可能性に光を当てれることが出来たなら嬉しい。

落合

言葉がより速く自由に飛び交う時代に少し踏みとどまって、それぞれの音楽背景から多角的に音会話を試みることによって一つ一つ時代を紐解いていくような感覚がありました。

例えばピグミー族が音楽の複雑さに対して神話には深い意味付けをあまりしなかったように、音による言葉にならない言葉のような部分も楽しんでいただけたら嬉しく思います

In an age where words move faster and more freely than ever, we chose to pause for a moment — to explore multifaceted musical dialogues grounded in each of our distinct musical backgrounds. In doing so, we felt as though we were gently unravelling the layers of time or era per se, one by one.

Just as the Pygmy people embraced musical complexity without necessarily assigning deep mythological meaning to it, we too hope you might find joy in those elements of sound that speak like words, yet remain beyond language.

Benign StrangersからThe Wordへ

2018年Benign Strangersの録音から６年。

2024年に前作と同じメンバーで再度ニューヨーク録音が実現しました。

そこで出来上がった作品が今年の１月１７日に発売されました。

Davy Mooney Guitar

John Ellis Tenor Sax, Soprano sax, Bass Clarinet

Glenn Zaleski Piano

Matt Clohesy Bass

というメンバーと自分(Drums, Tabla)から成るクインテットで前作同様全編オリジナル曲で臨みました。

メンバーのテクニックに裏付けされた高い音楽性とアンサンブルアプローチの柔軟性については多くを語ることでもないと思うので、

ここではタイトルの『The Word』（言葉）に関する自分の考えや想いを綴りたいと思います。

そもそも『言葉』というものは人と人がコミュニケーションを取る上で発展してきて今でも使用されているテクノロジー、

あるいはツールの一つです。その特徴は時代によっては使用される単語、流行している喋り方、会話をする個人同士の関係性に因って変容するもので、掘り下げれば下げるほど極めて流動的、変容的、そして抽象的なものとも言えます。言葉そのものが表現するものが明確に存在し、その意味に合意があるが故に話が通じるのが前提なのですが、言葉の組み合わせやその時の意識の状態、そこから派生する感情、発音時に混ぜるニュアンスや視覚的表情によって解釈や意味は大きく変わってしまう場合もあるでしょう。意味への合意や解釈に一貫性があるという前提で使用されるものではあるのですが、絶対的なものは無いとも言えます。日常で使用する最も身近なもの。人は言葉を聞き、言葉を発し、言葉を読み、言葉を記録し、言葉を考え、言葉をそっとしまったりもします。可視化領域ではないところでも言葉は自由に人の意識の中で変容しながら人と関わっている。そこに分離という概念は無く、人そのものが言葉であると言っても過言では無い様な気がします。何故なら言葉が無ければ、今私達が五感（または六感）を駆使して体験している現実の大半は消え去ってしまうとも言えるからです。

数ヶ月前インドに滞在していた時にタブラの兄弟弟子が興味深い話をしてくれました。

タブラのフレーズは口伝形式なので、リズムを言語化したものを記憶してそれを次の世代に繋いでいくという行程が

遥か昔から伝わってきています。

師匠が無数に記憶している言語化されたフレーズを教えてくれるのが師弟関係の中で行われる稽古形式なのですが、

『教わったbol(喋るの意味）そのものも肉体がある師匠と同じくらいに尊いもの。

師匠に対する敬意または愛は教わったフレーズそのものにも向けて然るべきもの。』

これに自分は強く心を打たれました。

タブラの口伝で伝えられてきたフレーズそのものに特に意味はありません。

しかし、意味が無いからこそ如何様にも解釈が出来るとも言えます。

自分の師が言葉では多くを語らず生き様を通して教えてくれた様々な事。

言葉には出来ない音楽に対する愛を具現化し存在している姿や姿勢そのものが、肉体や形が無い言葉そのものと同等であるという、

一見何とも矛盾しているようで辻褄の合う一つの純粋な気付きに繋いでくれた様な気がしたのです。

人が言葉に乗せたい想いは森羅万象存在するでしょう。

それらが自分の存在を再確認する数多の手法の一つであると言っても間違えでは無いと感じます。

ただ上記の体験は、明確に合意出来る言葉のやり取りだけに収まらない、形そのものだけでは語れない言葉や意志の伝達手法も存在するのではないだろうかという思考の遊泳のきっかけを作っていただいた様な気がしてならないのです。

そんな想いのかけらがこの音楽Music(言葉The Word）には入り込んでいる気がします。

金沢市民芸術村Artist in Residence 2023を終えて

金沢という街、否、その街に限定せず、裏日本、北陸地方に魅せられて早干支一廻。

今回金沢市民芸術村にてタブラ言語を様々な角度で紹介出来るワークショプ。

即興にフォーカスを当てたライブ。そして自分の創作を共有出来る機会を頂きとても感謝しております。

表現と興行とは関係性があるようで実は無縁なもので、興行的に成立するか否かを気にしていては何も動かないのが芸術の根底的なエネルギーには在るように感じます。

もう少し掘り下げると『興行』という概念、または『芸術』という概念が生まれる遙か前から僕らが形として嗜んでいる『何か』は純粋に原始的な衝動に動かされながら形を成し、変容し、今に至るのかもしれません。

そこに賛同していただける企画を推し進めてくれる方々がらっしゃったり、参加してくださる方々が現れたりと、輪廻的な何かは特定の定義には納まらず巡って行くような体験でした。

この流れを無理に継続しようという欲から身を引きつつも、流れを継続するきっかけが巡ってくるとしたら誠意を持ってまたその時に相応しいものに貢献出来たらと思います。

関わって下さった皆様に感謝の念を込めて。

金沢市民芸術村Artist in Residence 2023

2023年度金沢市民芸術村のArtist in Residenceに選定されました。

音楽を通じて冬の北陸に誘われるのは平凡な休日より祝福されてるように感じるのは、冬景色に憧れを感じるからでしょうか。（雪国の人々からしたら雪かきの苦労も知らんくせにと突っ込まれそうですが・・・）

今回のプロジェクトに向けての寄稿文をブログでも共有したいと思います。

公演に向けて

『万物は流転する。』 ギリシャの哲学者ヘラクリトスの言葉です。 常に変わっていくことこそが、この世界の変わらない法則であると思います。空を見上げても同じ空模様を見ることは出来ません。同じ名前のついた川に入ったとしても、それは昨日入ったものとは別の水が流れていて全くの同等とは言い難いでしょう。存在する全てのものはこの常に変容する世界の法則の中であらゆる物事を感じながら生きています。人は記憶というツールを使って何かしらの法則を見出し、それらを形に収めシステムやデータとして後世に残してきました。その膨大な空間と時間の中であらゆる形が現れては消え、消えては現れたことでしょう。音楽もその現象の一つだと思います。 形は無いのに心に残る。 そんなエネルギーに魅せられて早30年。 その感覚を共有出来る仲間達とジャンルや固定概念にとらわれない音空間を創り上げ、同じ空間に居る皆様と共有出来たら嬉しく思います。

大村亘（2023年度金沢市民芸術村レジデント・アーティスト）

以下リンクイベントリンク

金沢市民芸術村

Atmanツアー

『Atman』ってなんですか？

という心の声が聞こえてくるのですが、その心の声がAtmanです。

表面的な解釈はBatmanでもCatmanでもDatmanでも構いません。

解釈は自由です。

音楽の本質ってそもそもそんなものなのではないでしょうか？

ギタリスト、池戸祐太くんとの出会いは遡ること２０年近く前、オーストラリア、シドニーでの路上でした。

現地のミュージシャンたちとストリートライブをしてた自分に英語で話しかけてきてくれたのですが、僕は日本語で『日本人の方ですよね』と返答を返した時の彼の驚きの顔がつい先日の事のように思い出せます。

そんなこんなで長い月日が流れた今でも一緒に音楽をやっている。

その時は、そんな期待も予感も何もないのに不思議なものです。

世の中、期待と希望、安泰を求めるが故の不安と絶望の輪廻で支配されてるように感じますが、この音楽はそんなものとは無縁です。

だからこそ続いてるのでしょうし、これからも様々な表情を共に開拓していくことかと思います。

今回は三嶋大輝くんと古谷淳さんというまた素晴らしい仲間達を迎えて必然的にこの音との巡り合わせを大切に旅を出来たらと思います。

是非お越しください。

https://youtu.be/KivFvCuSQDM